地下死亡金属：音乐分析-第2部分

分析唤起’s “Omniscient” from 2002年促销

通过来宾贡献者上五月4，2016

此解剖由尼尔·西格蒙德森（Neil Sigmundsson）贡献给《地下死亡金属》。

尽管作为本文主题的这首歌与大多数丧葬末日金属，甚至与大多数Evoken的音调都存在很大差异’在自己的作品中，它利用了该类型的基本风格：以非常慢的速度演奏开放，持续，低注册的和弦。在“Omniscient,”干净的吉他旋律和合成器可为音乐提供细节，色彩和不同的宽敞感。层次感，乐器之间的相互作用以及音色在发展主题和强调情感的不同方面起着重要作用。这首歌没有人的声音，这一功能可以使听众沉浸其中，并使想象力得到充分利用。结构简单且线性：A B CD。下面以对这件作品的一种解释依次介绍这四个部分。这是一种尝试将听音时出现的图像，思想，感觉和情感的模糊组合转换成文字的尝试。如果这种描述方法乏味或缺乏吸引力，请考虑它是作家的缺点，让音乐为自己说话。

一，说明

A部分：简介围绕以干净吉他演奏的旋律为主题，其音调给人以不安和神秘感的模糊感。在音符中和音符之间滑动的技术被用作装饰，大概是为了使旋律更加令人回味。缓慢的节奏给人一种低能量的感觉，而合成器给大气增添了朦胧感。当电吉他和打击乐器进入歌曲时，产生的感觉类似于从室内进入，在那里人们可以感觉到室外的热量，进入室外或从半意识的觉醒状态转变为完全觉醒的状态。警觉性和意识。然后，合成器发挥了比以前高八度的作用，像太阳的刺眼强光一样压倒，并唤起了荒芜，辽阔和无生命的印象。音色大大提高了效果。合成器下降到其原始寄存器后，主题得到充分开发，场景得到了完全理解。

B部分：短暂的沉默后，音乐开始缓慢爬行，好像压迫的热量正在消耗掉所有能量。吉他坚定地弹起并弹奏一小段音调，但是随着合成器的响应而下降，仿佛被压倒性的生存和干旱所击败。整个图案暂时下降到稍低的位置，传达沉入更大深度的感觉，尽管它聚集了足够的能量以返回其原始位置。聆听此部分的感觉就像穿越沙漠，想知道当突然之间，是否会以那么少的能量到达远处…

C部分：巨大的活力和动力来自未知的来源，因停滞而产生向前和向上的运动。速度加快，鼓音色的速度也加快。强音和弦不再降级为最低音。代表压迫力的合成器消失了，取而代之的是缓慢上升的干净吉他图案。这里的整体语气充满活力和前瞻性，在以前没有的情况下，有一种奋斗和毅力的感觉。但是，在吉他中，有片刻可以使这种自然与清醒和引力之间达到平衡，一些不和谐的音符表明所有的逆境都没有克服。就像提醒人们继续存在对抗性元素一样，这种轻微的不和谐会抑制旋律，旋律会相应下降（尽管它保持其步伐和精力）并停留在最低点，然后再次稳定上升。

D部分：C部分在其最高稳定点消失，此时音乐再次变慢，“opens up,”表示已经到达高原或目的地。确实，在歌曲的最后和最长的部分中，实现了。这种实现的第一个提示是在键盘上弹奏并伴有打击乐的四个音符序列。的“breathy”音色和相对较小的音量给人以距离感和大规模感。这部分唤起了与停顿相关的情绪’辛苦了，抬头望着云层，实现了它们的美丽。然后，电吉他热情地进入，用强力和弦模仿四个音符的图案，上述键盘顺序让位于第二个。这个新的键盘声部开始时会发出温暖的音调，此音调会略微升高，然后沉入清醒的重力音符中，尽管即使最后一点的重量和阻力也会在序列结束时消失。

完整的实现是由幸福的干净吉他旋律代表的，该旋律充当第二个键盘声部和电源和弦上方的附加层。键盘的每个音符和音量都以不同的方式为吉他旋律着色，突出了新发现的信念和内心平静的各种细微差别：安慰，宁静，大自然和宇宙，以及相应的人格微妙特征，传递摆脱一切，最后是一种理解和接受，这使人们摆脱了所有疑虑和烦恼。合成器的音色给歌曲的结束提供了轻快的音色，但是这种音色清淡新鲜，与引言中沉重而繁重的气氛大不相同。最终，干净的吉他停了下来，键盘又回到了实现的第一个提示的完整版本，催化顿悟的图像根据获得的新见解进行了重新审视。然后完全恢复。至此，所有紧张局势都得到了彻底解决。附加的合成器效果会给人以消散和消逝的感觉，并且歌曲的音量开始减弱。干净的吉他以令人振奋的音调结束。

二。讨论区

在上面的描述中“Omniscient,”这些工具象征着人类经验的不同方面。电吉他和打击乐器代表身体的内脏感觉，干净的吉他代表心灵的运动，而合成器则代表对外部环境的感知。合成器在描述A和B部分中的外部压迫力方面的作用已经描述过：可以将其视为一种冷漠但有害的自然现象。在这首歌的四个部分中，B部分是唯一没有干净吉他的部分，这也许象征着在经历痛苦的经历期间，意志的意志力被击败了，意识的焦点在身体的痛苦和身体的痛苦之间摇摆。所谓的苦难原因。在C节中，合成器消失了，但是清脆的吉他和底层的和弦中发人深省的音调令人不寒而栗，这表明环境/情况没有改变。相反，内部的能量上升是如此强大，以至于主导了感知领域，这在打击乐活动的急剧增加中得到了体现。本节可以看作是寻找抵抗和克服对抗力量的动力。

D部分解决了歌曲中的所有冲突和张力，而不是通过外部胜利来解决–C节似乎指向–但通过内部发布。保持既定的象征意义，并在整首歌曲中查看干净的吉他声部（以及缺少的部分），有一系列概述了心态的转变：困惑的思维（A）变成了完全击败的思维（B），反过来又充满活力和活力（C），并最终充满信心和和平地被净化和灌输（D）。如前所述，考虑到键盘，D节中的键盘的作用和品质与A节和B节中的键盘和音质显着不同。然而，即使在歌曲的最后，仍然有清醒的效果和引人入胜的感觉在键盘上兴高采烈不会被选中。就像在C节中一样，这是外部环境没有改变的线索，只是外界对该环境的感知。因此，思想发生了变化，结果，即使生活状况没有变化，对生活的看法也发生了变化。回顾马库斯·奥雷留斯的话：“事物并没有触及灵魂，因为它们是外在的并且保持不变。但是我们的摄动只来自于内在的观点…拿走你的意见，然后拿走抱怨，“I have been harmed.”消除抱怨，“I have been harmed,”伤害就消失了。”这是实现的本质“Omniscient”：据了解，尽管我们可能会感到疼痛和不适，尽管我们可以忍受苦难，但苦难并不会与这些经历密不可分。外部事件对个人福祉的要求是由思想和意志决定的。这样，人类才能像无敌的力量一样过着生命，“海浪不断地冲破海角，但直立并驯服了周围水的狂怒。”凭着这种精神和信念，干净的吉他在D节的键盘上平静地航行，给人以彻底的平静，并确定一切都很好。

随着怀疑论 – 雷鸦队和Monolithe – 莫诺利一世, “Omniscient”可见，葬礼的末日风格自然适用于音调非丧葬的作品。这种风格曾被用作一种休憩和绝望的方式，可以说是沮丧，绝望等。“heavy”情绪，但是自我迷恋的抑郁状态（一种压力和收缩状态）将音乐的规模缩小到个人水平。此效果与“big”葬礼末日风格的声音，以及一般金属的强烈战斗精神，表明这种风格也许更适合于大型的，非个人化的主题。

关于音乐创作，精心构思和定向开发的一组精选思想可以使主题发挥出最大的表达潜力，从而最大限度地提高音乐的回味品质。此外，即使当作曲家不打算表达特定含义或信息时，这也增加了作品的连贯性，因为只有在用尽旧思想时才会出现新思想。因此，在音乐创作中，就像在生活中一样，明智的选择是要有必要，而不是四肢。极端的技术音乐家风度，速度和结构复杂性虽然有时有用，但通常对于金属音乐来说并不是必需的（从承载存在的重量，具有较深的内容而非浅薄的意义以及传达现实的方面来说）超越个人）。“Omniscient,”如此简单的证据就是支持这一点的证据。在其逻辑而全面的发展中，其令人回味无穷的声音，对鼓舞人心和振奋人心的转型的清晰描绘，以及对其结论给予听众的奖励和提醒，“Omniscient”是最高级的艺术品。

笔记：
1.记录 2002年促销 “在1天的价格低廉的8轨录音机上。” “Omniscient”虽然远远超过促销中的其他四首歌曲，“Reverie in Tears”也很好达里奥·德纳（Dario Derna），是死亡金属乐队的熟练鼓手孕期，在此版本中弹奏了键盘。

2.的重新录制版本“Omniscient”歌词出现在2010年Evoken和《冰雪奇缘》之下。

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创世记– 羔羊躺在百老汇 (1974)

通过员工上2016年4月29日

羊羔的相册封面

大卫·罗萨莱斯和Johan P的文章。这是我们的第二篇文章 1970s 前卫摇滚 for Hessians Johan发起的系列

1974年发行，标志着彼得·加布里埃尔（Peter Gabriel）离开了创世纪（Genesis）， 羔羊躺在百老汇 brings the classic era of the band 和 the genre to an end. It does so rather inconspicuously with a profound accomplishment that is 不 easy to summarize in such few words. The album materializes the several tacit goals of 进步岩石: the incorporation of 古典 music methodologies into the making of 流行音乐岩石 music, stylistic expansion within coherent boundaries, to the neo-romantic mystical allusions boiling up from vague lyrics into aural explosions in sound.

在音乐上，它利用了直接流行的摇滚乐表达方式，并通过点头扩展到了古典时代的结构，而环境则从前卫的噪音到周围的乐器。我们甚至可能看到了后摇滚美学的先驱，但《创世纪》将音乐带到某个地方，而不是单调地在同一地方跳舞。整首歌曲和专辑本身对主题的使用都很突出；它把专辑放在一起，是这种适当的古典影响的直接结果。专辑的抒情主题基于犹太人的神秘主义，并在歌曲标题，概念甚至发行的总曲目数方面提及了卡巴拉。

创世记在顶峰时期的风格影响。 羔羊躺在百老汇 实际上定义了我们今天在其中看到的一整代伪编夏洛特人的喜欢到哪个史蒂文·威尔逊（Steven Wilson）所属，要么至尊装腔作势者梦想剧院和their numerous unoriginal underlings. 欧佩斯不能算是靠创世纪的伟大生活的肤浅傻瓜，因为他们更折衷收集的折旧资源很少 and because the 非常 little 编摇滚 influence they displayed comes from Gentle Giant. With all certainty, almost any decent-sounding, so-called 进步 outfit today that leans towards a 流行音乐岩石 sound with unconventional sound structures is probably directly or indirectly 被定义为 （不仅仅是“influenced”通过）经典的创世纪。

出色的击鼓表现突出了其余音乐的主题进程。在每个点上，它都能满足音乐中的需求，同时又不会回避戏剧性甚至有趣的混音。爵士乐此处使用打击乐器技术来提高品味，传递音乐，而不是成为分化为享乐主义自我主义的工具。尽管如此， 羔羊躺在百老汇，实际上没有任何元素在听众面前跳出来：技术优点与音乐的实时流动是如此完美地融合在一起，它们可能会被忽略。在这一点上，我们可能会发现与“是”的强烈反差，后者的才华始终与工具主义的才华相近，威胁并最终取代了推动真正艺术发展的更深层次的动机（正如我们在 中继器）。

To finish 我们的 brief discussion on this definitive album for 进步岩石, 我们 would be remiss in failing to attend to the reasons it achieves such excellence. Considering Nietzschean Apollonian versus Dionysian interplay, a reasonable speculation might start 通过 pointing out that the most superficial 和 recognizable sounds in this album are distinctively ground in their seventies era. Even the use of avant-gardisms remains within the framework of the experimentation of its time 和 exemplifies what 平克·弗洛伊德（乐队名从来没有能够适当地近似。 羔羊躺在百老汇 不拒绝其当代影响力，但通过他们接受了乐队’在历史上按时间顺序出现，并最大程度地利用了别有用心的原因。

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标签： 1970s, 1970s 前卫摇滚 for Hessians, 1974, 创世记, 爵士乐, 音乐分析, 编摇滚, 进步岩石, 评论, 岩石, 羔羊躺在百老汇

1970s 前卫摇滚 for Hessians: An 介绍

通过员工上2016年4月17日

Johan P.的文章

背景

The creation of this brief introduction to some of the more prominent bands of 70s 进步岩石 was directly inspired 通过大卫·罗萨莱斯’击落60年代末/ 70年代初Pink Floyd。我的文章不应被视为对“经典粉红弗洛伊德的虐待狂剖析”得出的结论的争论。相反，许多弗洛伊德’s recordings –至少在针对粗麻布背景的前卫摇滚乐中–与那个时代的前卫摇滚乐队相比，在几个方面都不够。我的文章的第一部分（“背景”）是大卫之间必不可少的桥梁’的文章以及以下内容。

为了牢记潜在读者，对于那些口味与《死亡金属地下》（地下死亡金属）所倡导的音乐一致的人来说，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）可能不是最兼容的进步摇滚乐队。因此，在本系列文章中，我将简要介绍该类型，然后介绍渐进摇滚的经典作品，以期引起金属发烧友的兴趣，可能会熟悉这种与重金属平行发展的类型。由于大多数比较多产的乐队都是英语，因此不可避免地将重点放在具有英国传统的艺术家身上。当然不会’这意味着编舞仅仅是英国的一种现象。世界各地有许多乐队在欢呼。许多都足以达到英国既有乐队的顶峰。

在继续进行上述介绍之前，最好先研究一下Pink Floyd的音乐，以期发现为什么该乐队可能不是该类型的最佳切入点。至少有三个主要原因可能导致即使在听音乐时也会感到失望“best”（也就是说，最接近前卫摇滚和金属音乐冒险性和野心的唱片）：歌曲结构，音乐风格和概念的不足和差异：

平克·弗洛伊德（乐队名

首先，尽管有些弗洛伊德（Floyd）跟踪（例如“Echoes”，是他们较好的数字之一）具有扩展的歌曲结构或较长的情节特征，它们通常缺乏某些较为完善的渐进摇滚史诗中的连贯叙事。例如，以“扩展歌曲结构”为特征的乐曲可以是一首普通的摇滚歌曲，围绕着通常的诗句/合唱/桥声成分而建，并且增加了一个或多个不同程度地连接到主歌的细长部分。我用“情景角色的构成”指的是由几个离散的音乐事件组成的歌曲，这些事件被合并为一个乐曲。平克·弗洛伊德（Pink Floyd）比情节曲谱更常使用扩展的歌曲结构，尽管后一种方法通常在渐进摇滚中很常见（旁注：金属情节曲结构错误的例子是萨特里克翁）’s first album, 中世纪黑暗时代）。相当多的Pink Floyd歌曲很早就可以了，但是它们通常围绕大约三个扩展的歌曲结构部分构建：首先是乐队代表主要主题的介绍，其次是带有（通常是器乐性的）游览和一些实验（创作的中间部分）的创作。通过电子效果营造出一种氛围，吉他独奏会增强张力，然后释放声音，并置已发现的声音等），最后是一个闭合部分，主旋律再次出现。或者，如果一段较长的弗洛伊德曲目遵循该情节的歌曲模板，则合成方法似乎是将几首无关的歌曲/想法融合在一起。在整个Pink Floyd专辑中，最后一种方法似乎也被粗心地大规模使用。他们的几张专辑中包含对比鲜明的歌曲，这些歌曲以随机的顺序排列，导致作品听起来既不合理又不一致。

上述歌曲编写过程不’一定不能认为这是一种糟糕的合成方法，但是弗洛伊德（Floyd）常常屈服于更大的陷阱之一，就是如果没有足够的技巧和透彻地完成这些合成，这些不同部分之间的发展或联系就不会太多。在很多情况下，这种类型的歌曲不仅局限于平克·弗洛伊德（Pink Floyd），而且最终还受到任意性和零碎性的影响。可能是平克·弗洛伊德（Pink Floyd）在写许多较长的曲目时没有任何史诗般的叙事，抒情或音乐性的想法–也许他们做到了，但是做不到’穿过它。但是，为什么他们然后选择录制那么长而曲折的歌曲呢？也许这更多是一个阴暗的概念问题。迷幻/渐进式摇滚意识形态的某些部分似乎更倾向于浪漫主义艺术的异想天开，逃避现实的一面。这样的前景不应该’完全不应该将其视为渐进摇滚乐队的不适当之选，但如果对浪漫主义的态度没有得到发表连贯声明的适当想法的支持，则可能会引起问题。尤其是在早年的时候，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）曾尝试过一些奇特的乐曲和梦幻曲调，但由于它们具有未完成且毫无意义的特征而多次失败。这些歌曲之所以没有’事实证明如此之好，以致于他们缺乏足够的构图思想来创造预期的情绪和视觉。

在风格方面，Pink Floyd是60年代后期前卫摇滚乐队中的早鸟，甚至在摇滚音乐环境中（在合成器的实验性使用中）开创了一些技术，通过迷幻音乐，现场灯光表演和毒品探索多感官体验。正如罗莎莱斯的《平克·弗洛伊德》（Pink Floyd）文章正确指出的那样，它通常只会导致“interesting”，零碎且毫无意义的想法。而乐队成员’缺乏技巧’不一定会带来问题’这是一个劣势，因为在他们的整个职业生涯中，他们从未像其他许多进步乐队那样敢于跨出布鲁斯摇滚风格的界限。

许多平克·弗洛伊德（Pink Floyd）歌曲的困惑，支离破碎和未完成的性质源于缺乏概念性内容。他们的许多作品都给听者留下了美好的印象，使他们无法实现或更糟的厌倦，其坏处巧妙地讽刺了他的立场，以此作为对这种指责的辩护。几年来，随着他们的大规模公众和关键性的成功，他们（尤其是乐队独裁者罗杰·沃特斯（Roger Waters））对自己的作品，他们的歌迷和音乐行业越来越愤世嫉俗，这几乎没人会感到惊讶。 月之暗面.

However it would be unfortunate to end the story of 进步岩石这里. Even 平克·弗洛伊德（乐队名 managed to put worthwhile compositions together once in a while. I have a soft spot for the space-rocking live concert part of the double LP mag令人惊讶的是，这里很少有奇思妙想的踪影。允许这些成分呼吸和徘徊，以得出冒险性较低的Floyd记录所缺少的结论。第一张碟片上的四个音轨 mag 实际上是对旧歌的现场重制，其动感和质感可能要比原始录音室形式更精致。

介绍

如果您看一看关于岩石历史的更为详尽的叙述，您将学到70年代可怕的岩石畸变“Progressive Rock”。由许多摇滚评论家提出的一种流派，由被宠坏的中产阶级孩子组成，他们试图用假高级艺术打动其他同类人，而他们真正制作的只是媚俗。这些音乐家试图成为文化精英（或与此有关的文化地下组织）成员的尝试是，“rock history”，在70年代中期随着朋克的到来而粉碎。在经历了体育馆奇观和狂妄自大的黑暗世纪之后，人们可以再次享受脚踏实地的岩石。这听起来有些合理，但从几个方面来说，这个故事并没有’不辜负现实。

首先，尽管原始乐章的创造力在70年代中期开始逐渐减弱，但在此期间，进步的摇滚乐队比以往任何时候都更受公众欢迎。这是朋克之后渐进音乐得以幸存的指标’简单。此外，随着1980年代的到来，新一代的地下进步团体开始着手复兴这种类型。尽管我要说的是，1970年代后生产的前卫摇滚不能与原始浪潮抗衡，但假定“性手枪”及其类似的消灭进步的音乐是无知的。进步的老兵的遗产和影响力可以在包括金属在内的许多现代流行音乐中听到和看到。

批评者指的是较大的进步团体的公司变卖和体育场岩石综合症，但可以为被告提出抗辩。有趣的是，渐进摇滚在一个重要方面与大多数摇滚音乐有所不同。使用编编，这不仅是规模较小，更有价值的乐队被规模较大的成熟乐队所掩盖的问题，即使这确实发生了。该流派中一些最大的乐队以某种方式设法完成了仍然承载着有意义艺术的大型舞台作品。既定的批判性叙事可能是当时音乐行业的状况的结果：战后媒体消费的爆炸性增长数十年来，唱片公司，胖人和富人深信不疑的乐队正在演奏这种新型摇滚音乐非常畅销。可以将平行线绘制到各种金属子类型。那些有幸在合适的时间到正确的地方的人可以得到可观的制作预算，赋予音乐界前所未有的创作自由。

确定进步摇滚（或任何音乐风格）的特征并不是最感激的任务。这也不是本系列文章的目的。相反，它将包含相当简短的背景信息和精选乐队的说明，为所选专辑的音乐和概念内容留出更多空间。希望这种方法会有意义，并激发人们对发现一种我认为可以提供很多东西的流派的兴趣，尤其是对于极端金属的爱好者。可能需要某种框架，所以让我们回到运动的起步阶段，看看运动从何而来。

起源

像硬岩石和重金属一样，渐进岩石主要起源于1960年代后期的迷幻环境。这是一个试验时期，不仅试验毒品和其他生活方式，而且试验新的声音，音乐思想和方法。借助改变心灵的物质，年轻的艺术家们高兴地发现了新的意义，从而推动了摇滚的过时和商品化艺术形式的前沿 ‘n’滚动和爵士乐。这些迷幻的探险家（主要是欧洲血统的男性，来自中上层阶级背景，尽管反例比比皆是）创建了一些团体，这些团体在1960年代后期一直徘徊不前，逐渐成为进步的摇滚。除了摇滚和爵士乐，他们还使乐队对古典，合唱和民间音乐产生兴趣。但是，与任何历史叙述一样，当然还有其他可以解决的因素以及矛盾和任意的信息。以“是”为例，这是最杰出的前卫乐队之一，旨在提高演奏家的音乐水平，并将古典音乐的音调抛入炖汤。与通常的假设相反，他们的吉他手史蒂夫·豪（Steve Howe）是一位自省型的音乐家，他从不烦恼学习笔记或形式音乐理论，而空灵的歌手乔恩·安德森（Jon Anderson）来自工人阶级背景。

There is another facet of 进步岩石 with a 不able parallel in 重 metal music 和 culture that needs to be addressed: it’s relation to the Romantic Era. This connection is thoroughly stressed 和一个nalyzed 通过 Edward Macan in his excellent book on 进步岩石, Rocking the Classics: English 前卫摇滚和 the Counterculture. Macan explores 不 only the ideological roots of 进步岩石, but manages to highlight the more crucial musical influences that helped create 和 crystallize the genre. He shows 进步岩石’s origin in late 1960s psychedelia 和 what caused the music to take its particular form. As a tribute to Macan’s groundbreaking work, I will conclude this introduction with two interwove quotes from the aforementioned book:

Anyone who has even a passing familiarity with 进步岩石 is usually aware that it represents an attempt to harness 古典 forms into a 岩石 framework, to combine the 古典 tradition’岩石的空间感和巨大的范围’s raw power 和 energy. Understanding the role 古典 forms have played in 进步岩石, then, is essential to understanding the genre as a musical style.

对于1960年代后期希望继续使用器乐的音乐家– 和 these 我们re increasingly drawn to the emerging 进步岩石, 爵士乐-rock, 和重 metal styles – the question became how to bring a sense of organization, variety, 和 climax to the music without completely destroying the spontaneity 和 sense of timelessness which characterized the 最好迷幻的 jams.
开拓进阶摇滚的音乐家找到了答案，将即兴创作的角色限制在一个乐曲的一两个部分，并沿着19世纪交响曲形式精心组织了其余的材料。 […]十九世纪的音乐和迷幻的音乐在词义上都是浪漫的，它们具有相同的宇宙观，对无限和换句话说的偏爱，对纪念性陈述的喜爱（通常是通过很长的篇幅传达），以及对表达史诗般的冲突的关注。

Stay tuned to this series for the successive revelation 和 discussion of some of the 最好和 genre defining albums of 进步岩石!

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经典粉红弗洛伊德的虐待狂解剖

通过员工上三月23，2016

Article 通过大卫·罗萨莱斯

平克·弗洛伊德（Pink Floyd）正确地拒绝了进步摇滚的标签。他们的构图发展距离该乐团的最佳乐队所做出的成就远不及弗洛伊德（Floyd）好’虚假的卑鄙推定。平克·弗洛伊德（乐队名’最发达和实验性的环境瞬间只是指向他们更富有启发性和思想的同时代人正在行驶的道路的方向。克劳斯·舒尔兹’Tangerine Dream中的环境工作是对实验音乐，电子音乐和采样音乐的真实证明。

弗洛伊德（Floyd）是当今我们在岩石和金属领域的现代时髦的先驱：一种脑癌，将怪异和强迫变化置于巧妙的连贯性之前。他们不受欢迎的赞誉是基于一个简单的事实，即它们可以广泛地销售给广大受众。他们写了源自甲壳虫乐队风格的平庸摇滚歌曲：周围的尝试可笑，而他们的头疼‘creativity’太自由了平克·弗洛伊德（乐队名’只有真正值得称赞的时刻才会显示在悠闲悠闲的摇滚歌曲中，这些歌曲支持旋律上的叙事，包括合理的插曲。这些作品具有讲故事的功能，这种功能主导并最大化了早期实验主义的长期影响。

粉红弗洛伊德的简要介绍’下面列出一些早期专辑，目的是将少量商品与大量的面部表情，伪渐进式姿势分开：

黎明之门的吹笛者 (1967)
黎明之门的吹笛者 对于可悲的专辑来说，这个名字太多了。粗心大意地随机制作披头士乐队的歌曲会发生意想不到的急转弯。这些根本不是开拓者，因为他们只是滥用甲壳虫乐队’更古怪的倾向，通过分离产生兴趣。这些是写得不好的流行歌曲，带有任意的附件和无意义的声音：后现代主义与平庸的摇滚音乐相遇。值得注意的是有些奇怪的段落有时会形成累积序列，但这些稀疏且无处可去。

绝妙的秘密 (1968)
平克·弗洛伊德（Pink Floyd）从甲壳虫乐队出发，采用了后现代主义风格，包括并列和序列，这些序列和序列在电影配乐中使用时听起来可能很连贯，但当单独作为音乐呈现时却显得不足且听起来不完整。他们听起来很怪异，但这项工作相当于一个幼稚的玩笑：kazoos，marimbas和随机发现的声音都是荒谬的。人们倾向于喜欢任何有趣的垃圾。鬼是一支类似的现代乐队。

更多 (1969)
平克·弗洛伊德（Pink Floyd）继续表达所谓的笨拙表情‘folk’ 岩石 n’齐柏林飞艇（Led Zeppelin）成绩平平。但是，它们还继续完善了面向环境的轻岩石间断。更多非常荒谬，不受爵士乐影响的后现代主义者。

歌曲倾向于具有不清楚的曲线，方向或点。这些要么是消失的标准流行歌曲，要么是杂乱无章的随机想法分解成不一致的部分。悠闲悠闲的歌曲和标准的流行歌曲，只有适度的介绍，嘈杂的声音最令人愉悦；他们仍然保持一定的秩序感’使他们杰出但清晰易懂。他们的表面特征以最终接近美的方式达到目的和平衡。但是，随机和上下铺间的间隔仍然难以忍受。对于那些希望冒充音乐爱好者而又无法专注于自己出生，成长和生活的实际观念和听觉观念的人来说，这是音乐。

mag (1969)
1969年’的第二张专辑是结构更清晰的概念专辑。同样，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）带来了一种类似于怪异有趣的配乐，让人联想到鬼魂（Ghost）减去鬼魂（Ghost）的愚蠢现象 ’完全缺乏人才。概念上的关注为专辑带来了阴影，而以前的发行版中都完全没有这种阴影。当不间断的音轨崩溃并在中间失去连贯性时，我们可以欣赏它们的成分边界。熵在起作用。其余的曲目完全是愚蠢的，完全没有用，因为乐队以极其简单的循环顺序突然消失，从未解决。他们只是溜走，没有头绪或故事。这是一种音乐，除了给人一种奇怪的元感觉和不那么独特的独特性之外，什么也没有带给人以自我的智慧‘liking’ it.

原子心母亲 (1970)
在这里，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）开始显示他们在天顶时将闻名的声音。音乐流畅，采样声音的随机性减弱，因为他们这次想得更多。虽然之前的一切 原子心母亲 is utterly worthless, this album approaches the more orderly works their contemporaries with stronger 古典 influences. Pink Floyd’音乐始终保持着简单而精致的发展。杂乱无章的自命不凡装在盒子里，并保留在非常特定的时刻。他们仍然无法利用资本，创造出令人鼓舞的最初想法，但却使他们陷入沼泽，其潜在的重复性变得有些古怪。套件承担着专辑的重量；其余的歌曲无关紧要，不值得关注。

插手 (1971)
平克·弗洛伊德（Pink Floyd）的时代到来了。乐队最终能够综合其音乐的具体方面和有希望的方面，从而抛弃了必须以完全直观的方式探索的许多早期废话。在这张专辑中，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）显然是在向更聪明的同龄人学习（国王·克里姆森（King Crimson）发行了几张专辑，《创世纪》（Genesis）发布了他们的大二唱片，是的（Yes）与平克·弗洛伊德（Pink Floyd）达成了最有意义的表达，但又与之完全分离）并试图保持连续性。专辑本身：对歌曲内旋律细节的关注度更高。乐队仍然大多无法得出结论，诉诸于淡入淡出和廉价的打包。这里的大多数歌曲都比考虑整张专辑的增强型流行歌曲好一点，除了像著名歌曲那样更长的延伸“Echoes”。这最后一个曲目构成了此发行版的净资产；其余的可能会被解雇，而不会造成重大损失。

被乌云遮挡 (1972)
被乌云遮挡 首先介绍一个可能启发后来的Tangerine Dream作品的介绍，他只是从Pink Floyd的一个随机片段中制作了有价值的音乐。在一张专辑承诺使乐队超越其平庸的羞怯感之后， 被乌云遮挡 依赖于欠发达的流行歌曲，随机的，听起来很酷的插曲，以及后来出现的快照，这构成了它们最杰出的主流成功之声。

月球的黑暗面 (1973)
1973年’s的经典作品可能是唯一一张值得奉献存在时光的Pink Floyd专辑。 月球的黑暗面 是卓越乐队的最终权威声音。他们残酷的构图短视仍然存在，但他们已经学会了通过多年的毅力来应对。经过多年的改进，乐队将他们以前的随机性变成了集中注意力的时刻，这些时刻最终以一连串纯粹的直觉而不是一个单一的叙事聚集在一起，但始终保留着无关的汽车。令人愉快地放在一起，这个万事通乐队在整个曲目中的每一刻都以一种感觉是必要且合理的方式慢慢出现。它具有任何好的专辑都应该羡慕的期望，传递和消散。

月球的黑暗面，平克·弗洛伊德（乐队名’值得称赞的成就，也许是第二年通过其他才艺出现的流行艺术音乐真正杰作的脚注。绯红之王’s 红，创世记’s 羔羊躺在百老汇，温和的巨人’s 力量与荣耀 是看上去平滑简单的专辑，但实际上只是外观如此。一种看不见的力量通过它们的内在协调传递：复杂性似乎变得容易，复杂的思想凝结成自然流动的音乐，有效地在头脑中激发清晰的图像’s eye.

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论德米利希音乐

通过员工上二月25，2016

空虚的第20个对手

大卫·罗萨莱斯的文章；通过阅读他的文章获得更多观点泰格豪尔

在这里和其他地方，关于德米利希的话题已被谈论很多，但关于他们的音乐作为未来乐队发展基础的潜力的报道很少。首先，Demilich拥有坚实的粉丝群，并且在专业音乐家中有许多崇拜者，但很少有乐队以同样的方式制作音乐这一事实，这告诉我们，这并非易事。这也可能是由于大多数人倾向于将外表与机械混淆，而机械又将特征与本质混淆。在我看来，没有什么需要详细说明的，因为在与《献祭》非常相似的情况下，德米里奇只是表面上是独特的’s。除了这种表面上的pla窃之外，任何人都可以从他们身上得到的是抽象的概念，它们不断地放松并以节奏和方式演奏，以获得独特的声音。也许甚至从其独特风格中汲取灵感也可以为年轻乐队的商标声打下基础。

首先，使Demilich脱颖而出的是他们惯用的对死亡金属的处理方法，该方法在使用带有刺血味道的光环串的背景下，充分发挥了三音和令人反感的和谐。在献祭使人不舒服和不和谐的地方，Demilich将死亡金属的模态/谐波和节奏方面带到了这种听觉潜力的极限，而不会引起献祭的表面特征解构’的着色。但是，这两个乐队都使用标准的死音全曲结构，即兴即兴式伴奏和主题联系。

这种表面的奢侈加上内部的正统性使其成为非常任何人都很难成功地提取其教义的核心。对于德米利希来说更是如此，因为这是他们音乐中的愚蠢一面。’字符最突出，因此在不产生明显模仿的情况下很难模仿它们。这可能会导致年轻的乐队认为特别衍生的一段’可以通过将其混合成不同样式和声音的大杂烩来缓解明显的外观。但是对于那些听觉敏锐的听众来说，这听起来就像是杂色的布，一个袋子’显示屏上的技巧旨在填充实际内容（编辑’s 不e: 我们是否曾向您介绍过狂欢节音乐？）。

最后，对Demilich音乐的肤浅欣赏通常会导致歌迷将他们的音乐选为“progressive”, as “反对传统的死亡金属”. Frequent readers of this site should immediately identify the grave mistake in this. Be that as it may, when you take the misunderstanding how 进步死亡金属 in general is, 和 you put it together with the common metalhead’s idea of what 进步岩石 or metal is, you may begin to envision the monumental blunders that might come as a result.

这位年轻的死亡金属音乐家未必将Demilich的声音片段插入现代Dream Theatre配乐中，而是可能会从Demilich平衡他们古怪的声音的方式中抢占先机。德米里奇’从抽象和听觉的角度来看，音乐可以分为更震撼，更紧要或我们现在称为末日沉重的段落（尽管Demilich在这些强力和弦短语表达中从未停止过太多，因此它们并不能真正脱颖而出）。对凹槽和高浮雕字符的强调是一个常数，使它们具有商标声。

The value of these concepts lies in learning how to produce sections that create variety within a narrative, with a distinctive 和 constant language that lends a personality of its own to the music. The narrative is produced through the equivalent of formal statements, 发展s, pauses for air, retaking of the topic, etc, in their musical manifestations. This is the greatest value of the 最好 classic 死亡金属 bands: their outstanding ability to 清楚地.

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标签： 1993, 空虚的第20位对手, 文章, 死亡金属, 德米里奇, 芬兰死亡金属, 音乐分析, 内斯皮特

古典与流行金属–第2部分（现有定义不足）

通过员工在2016年2月6日

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大卫·罗萨莱斯的文章，共7部分，第2部分；阅读第一部分这里

大多数未经正规培训的人都将流行音乐视为他们可能听过的多种音乐流派的子集，这些流派不被视为“古典”。这意味着一种容易听，特别是重复的有限风格，并且特别强调构成整个内容的朗朗上口的合唱。即使自称喜欢它的人，也以嘲讽的态度将其视为肤浅的。他们说，一切都与乐趣有关。古典音乐实际上有两个定义，但流行的看法是，它是由学校的一些老人和书呆子创作和表演的无聊而漫长的音乐。

现代学术界非正式地将“流行音乐”定义为“一切不是我们做”。可悲的是，他们给这个更广泛的群体留下了与非学术界对他们特定的“流行”类型相同的限制。对于那些在甲壳虫乐队或迈克尔·杰克逊之外探索所谓流行音乐的人来说，显而易见的是，这种定义更像是一种好战和轻描淡写的姿态，而不是真诚地尝试区分音乐中更为丰富的一面。简而言之，这是声称与学术音乐无关的任何事物的不相关性的间接方法。

面对这种现实时，无论是通过偶然的阐述（例如，音乐老师处理音乐背景各异的教室的音乐品味），还是由于偶然的辩论而引起的，通常都不会看到学者跳入篮球为辩护一种失控的偏见或强迫的人文谦逊态度，它将接受最庸俗和平庸的音乐作为灵魂的有效表达。不论哪种情况，都严重缺乏真正的识别力。此外，音乐学术机构在放弃了除最唯物主义的原始戒律以外的所有东西时，都热衷于称自己为“古典传统”，这表明了他们对音乐的随意和懒惰态度的征兆，这不是汤匙喂给他们的（奇怪的是，这反映了大多数普通大众听众的相同态度。

当我们接受音乐不仅限于形式，范围而且不仅由乐器，音符或意图组成，而且确实是与这些元素完全脱胎的实体时，我们默认承认用于描述流派的术语最也要超越表面，并要考虑整体考虑。为此，术语“流行”和“古典”音乐的当前使用不仅是不合适的，而且定义也不统一。虽然流行音乐是用非常狭窄和简单的术语来定义的，但古典音乐却被认为是一种广泛而不受限制的态度，只有通过最肤浅和出于政治动机的争论才“客观地”将它们联系在一起。

那些有严重尽管我们必须通过具体的音符和形式来进行判断，但学术音乐的背景很容易接受正确的区分必须存在于形而上学的层面。在这里，普通人感到迷惑，不知所措，因为他不再能够发表普遍的平等主义言论。弄清这种道德难题的关键是对问题进行真正的科学处理，并考虑音乐发展的几个不同层面的背景。通过我们新的“古典”和“流行”（避免使用名词）术语所区分的广泛群体之间的区别具有更加抽象的特征，尽管仍然模糊。

它是抽象的并不意味着它不能确定或不能应用具体的音乐分析。它只是意味着必须具有强烈的上下文关系，并且艺术永远不可能是客观的，因为整个人类体验本身必然是主观的。这绝不意味着应降低标准，但不应从表面的复杂程度来理解标准，而应在适当的上下文中理解意图和实现之间的相互作用。为此，需要讨论和理解天然和人造，内在和外在以及超越的概念。

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标签：分析, 古典 music, 迈克尔杰克逊, 音乐分析, 流行音乐, 披头士

古典与流行金属–第1部分（消除成见）

通过员工在2016年2月2日

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Article 通过大卫·罗萨莱斯, 1st installment of a 7 part series
条款 流行音乐和古典粗心大意地扔掉它们，几乎没有考虑它们的真正含义，因为它们被强加给外国。可以证明，即使这些区分确实有意义，它们中的大多数也是相当任意的。我们应该问自己的是，哪些定义可以提供有用的区别，而不仅仅是外观或表面结构。

音乐比裸形式（仅是手段而不是音乐本身）的作用水平高得多，以至于学术界的典型分析重点在于我所说的蛮力复杂性或他们认为“创新”的东西，这是有问题的。音乐史已证明，仅是创新（往往不超过瞬时新颖性）本身并不会带来长期的成果。它肯定会导致长期的流行，但人们可能会发现，在这些情况下，所涉及的“新颖性”作为一种概念会先于人们对它的自然反应和感觉。

一个很好的例子是 春天的仪式，由Stravinsky撰写。它的粉丝通常是音乐专业学生，通常是音乐迷，或者是业余装扮者，他们只是对其声誉和听起来的奇怪感到震惊–感觉如何“不同”。在每种情况下，关于这种音乐的伟大之处的最直接的争论都将通过冷音乐分析的形式来进行，这些分析指出了其节奏上的创新或人物的“震惊”。基本上，轰炸和带髋关节的动作。

金属或任何其他类型的电影也是如此。创新和新颖性不断出现，前者作为有用的过程被表达在背景中，以表达特定音乐所具有的形而上的关注，而后者则给人留下深刻的印象并被抛在后面。当我们认识到人造音乐或一般艺术的普遍规则时，我们逐渐理解，我们不能严格根据是否进行创新来进行定义，因为这也容易与新颖性相混淆。只有时间—而且那跨度很大—可以真正证明差异。

最后，我们必须摆脱的最大成见是正确开始讨论，这是我们之前提到的术语已实际定义。关于“流行音乐”严格由什么组成尚无完全共识。此外，术语“classical”似乎既被视为西方传统音乐的一个时期，又被认为是现代学术活动的真正意义，现代学术活动使前者适合自己，就好像贝多芬在某种形式的加冕典礼上授予了瓦格纳一样，瓦格纳又将瓦格纳赋予了权力。喜欢Schönberg。让’摆脱所有此类流行的（ha！）断言，并尝试得出有用的术语。

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标签：分析, 贝多芬, 古典 music, 音乐分析, 流行音乐, 舍恩伯格, 斯特拉文斯基, 瓦格纳

金属转录与金属音乐打击乐

通过员工在2016年1月6日

Article 通过大卫·罗萨莱斯

铁娘子的这个非常有趣的封面’s song ‘Hallowed be Thy Name’ as performed 通过 a bass clarinet quartet was posted on Youtube a few years ago. The instruments take on the melodic lines of the song, which was aptly selected as it is rich in them. This experiment is 不 only fun to listen to but 有趣 in how a different instrumentation highlights one aspect of the music while utterly losing a whole dimension exploited 通过 the original composition.

旋律和和声的清晰度在这里得到了很大的提高，因此，寻求学习和模仿歌曲这一方面的吉他专业学生的学习和欣赏将大大受益于这种改编。但是，失去了和弦，尤其是在失真的电吉他上演奏的和弦，意味着大量人造乐器的丧失，这些人造制品构成了乐器声音的主体，并借出了金属和硬摇滚音乐。独特的听觉特征

The necessary absence of the drum set is seen 通过 the more 古典ly-oriented music fan or musician as, perhaps, negligible, but this is only because of the widespread ignorance (either through 流行音乐 culture or academic music indoctrination) 关于 the relevance of 打击乐器 in metal. Contrary to the now-traditional view of 打击乐器 as a less important aspect of music (which, in fact, flies in the face of many traditional 民间 musics around the world, where it is recognized 和 studied 通过 academicians yet still seen with derision as “primitive”），这种对金属的依赖程度越来越高不一种衡量内容稀缺或艺术不足的方法，而是一种未知变量的外观。

金属打击乐器处于最先进的状态，也就是说，其用于艺术性更高（相对于 技术上) developed subgenres of death 和 black metal shows a usage 和 expansion that just does 不 exist in traditional or experimental 古典 music. As such, academicians have no precedent 通过 which to measure or qualify this. They should perform field research, they should listen, but they are too comfortable 和 busy feeling self-important. This is the sad state of the intellectually self-gratifying (and ‘morally’破产）艺术源于两个世纪以来的总体唯物主义，腐败和衰败。

许多人会指出传统打击乐器中金属打击乐器的明显起源，这是正确的，但其用途和方向却远远超出了它，并且在某些情况下甚至从电子音乐中获得了线索（尤其是某些黑色金属）和爵士音乐（在某些死亡金属的情况下）。金属打击乐融合了这些方面，并由此构筑了一种全新的艺术，可以被认为是享乐型和技术精湛的爵士乐中更具精神色彩的孩子（编辑’注意：DMU在很深的地方已经写过关于这个假设的文章过去).

这种金属打击乐器的金属的未来和精炼不居住在空旷的融合探索中，既不曾出现过，也未曾在tekdeth的face谐演习中看到，这些演习甚至可以直接从诸如samba之类的流派中借用“entertaining 和有趣”演奏，无论这如何影响音乐的性格。内部还失效的是抽象概念在nu黑金属和战争金属中的应用的死胡同和肤浅的尝试。就像已经水泥的，完全形成的金属语言的所有其他方面一样，金属的打击乐和抽象概念的作用已在金属音乐中隐含地被人们所了解。经典。去，听，学习，学习，申请。

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标签：铁娘子, 爵士乐, 爵士融合, 爵士金属, 音乐分析, 打击乐器, 重新情境化, traditional 重 metal

世界

通过员工于2015年12月17日

Article 通过大卫·罗萨莱斯

最伟大的艺术家一生中几乎没有一次提供过一项作品，这使其音乐的完善性使人们能够将整个世界召唤到听众的良心中。以下是取得成就的三个例子，其建立方式与托尔金的神秘神话一样：宽广的笔触，主题的一致性和战略细节上的奇妙技巧。这些也形成了一个三元组，描述了人类体验的三个同心领域：身体，精神和神性。

雷鸦队：形而上的意志

这是对意志，愿景和自我呼唤的拥抱的思考：

通过感官吞噬世界，然后慢慢淹没并扩展将超越依照和谐法，权力大范围地进行了惊人的筛选。随着工作成果的实现，动力得到了满足，现在成为动力。奥术部队将欲望的野兽付诸行动，有纪律的法师通过服从真正的格言而获得沉默的影响。

命运被拥抱，面对着坚定的决心。除了感觉到的，看到的，听到的，接近真理的，还有骄傲而孤独的存在等待着。在那个地方，感觉和印象与意义融合在一起。它永远不会犯错，它只是而且正在成为。这就是赤裸裸的现实的火爆秘密。

多尔·古杜尔：思维与想象力

渴望世俗的美和人类的威严，以及对他们灌输的目的的尊重，通过不死雕像的缝隙低吟。通过复兴托尔金的经文，高级文化与自然完美融合。人在这里，但在这个地球宏伟的中心，这个中心 我们的 宇宙，最珍贵的礼物给人类。

来自凡人角色和内心挣扎的石头结构和森林的神话换位交错在一起。语言大师的山水画在害羞的节奏中震动，这些节奏持续发出旋律，使我们高高地到达与我们的身体状况，忠实观念不相符的地方，而介于两者之间。在这里，梦想与现实相遇，随之而来的是命运的体现。

血，火，死：最残酷的礼物

在不遗漏传说中的图像作为即将采取行动的目标和占位符的情况下，我们看到了一张毫不歉意的粗俗图片。这就是现在和现在的人类经验。这是肾上腺素充血的血液通过四肢的内脏冲动。

没有荣耀，没有耻辱，只有偶然。在这种虚无主义中，三位一体的真理得到了补充和完善。你活着或死。陶醉于生活的仪式中，对任何事物都没有特殊的意义。

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标签：浴室, 血火死亡, 多尔古杜尔, 文学分析, 音乐分析, 怀疑论, 风暴人群, 召唤, 世界

在食尸鬼教堂和奏鸣曲形式上

通过大卫·罗萨莱斯于2015年6月7日

食尸鬼教堂是一首非常有趣的金属歌曲，其原因有很多。首先，它是传统死亡金属歌曲的缩影，并通过保持平衡和保持完美的心情展现出出色的作曲标记。其次，与这种情绪调动有关的是，这是一首专为吉他调至E-flat标准调音的歌曲，并且经常使用开放的低弦，但不是E-flat的关键，因此低调非常鲜明的主音带来了独特的光环，被强调得太多了，而不是我们在普通金属中听到的令人愉悦的家庭补品。总的来说，这首歌还为我们提供了一个非常特殊的机会，让我们看到如何在正确的地方关注音阶度的使用如何为不同段落提供非常特定的目的并产生非常强大的效果。

我对食尸鬼教堂的论述和分析来自于后验前提是写入的密钥是E小调。在频繁使用色差的同时，此乐曲无疑具有色调，并且就其本质而言，它具有色调中心。由分析人员确定该中心是什么。适用于许多金属的下一个最重要的假设是，五分音的演奏是装饰性的，利用了此间隔在失真的电吉他上演奏时产生的声音效果。我们不认为这是功能和谐的重要元素，而应该只将低音提琴音调与我们对图案和图案的讨论有关。

我们可能会观察到，如果我们将riff-groups作为乐段，而忽略了重复次数的变化，则歌曲的总体结构可以通过以下方式概括：

A-A’-B-C A-A’-B-C | D-E D-E | F |企业

We can see the artistic abstraction 和一个pplication of Classical-era concepts in Morbid Angel’s use of chromaticism for emotional effect within a clearly tonal framework. Even more telling 和 importantly, 食尸鬼教堂’ structure reveals an adapted 古典 sonata form. The sonata form is characterized 通过 being divided into three sections: an 博览会，一种发展和a 概括。博览会一般介绍将用于开发作品的主要材料。通常会陈述这些内容，然后以很小的变化重复一次。传统上，这种发展意味着将其调制为不同的键，并将这些思想扩展为更多的外国领土。在开发部门蓬勃发展之后， 重新转换 这将使歌曲回到补品领域，概括性地概括了博览会中陈述的主要思想。食尸鬼教堂满足了所有这些要求：

展览会: A-A’-B-C presents the main ideas, 和 is repeated again with a small divergence in the number of repetitions of the riff. The second time around it is played, it is repeated more times, a simple 和原始 way to echo an expansion.
发展历程：虽然部分“D”仍然在同一个键中，它开始改变可以被认为是调制的音符的重要性。当我们到达E时，这首歌与其余歌曲的音调不同，即使我们可以听到与部分“ B”的主题相似，也用不同的主题定义了此部分。具有讽刺意味的是，我们称这种发展为 单主题，尽管它可能拥有一个以上的主题（如该主题所示）。
重新转换：部分“F”，这是一首慢下来的乐段，踩着这首歌反复使用的相同的某些音调（特别是2级和3级），只是通过清楚地说明歌曲的主要主题和主题来对其进行修整用倍频程加倍来装饰，而不是用歌曲其他地方所用的典型五度来装饰。
概括：重复使用“A”, “B” 和 “C”以不同的顺序和简洁的重复次数。 A的最终使用产生了一个变体，该变体在很大程度上强调了主题作为其最终短语。

此外，独奏在更稳定的节奏部分和其余音乐保持安静的时刻运行的方式类似于经典时期的tutti-solo-tutti交流。这首曲子善于运用停顿和短暂的沉默来增强期望，并在拐点处强调不稳定的音调以促进向前运动。

另一个值得一提的小技巧是，当他们使速度改变得更快或更慢时，病态天使会缩短或拉伸平均音符长度以应对这种变化（如果我们改变为更快的速度，则音符会变长，反之亦然）。尽管不同部分的节奏有所不同，这有助于使过渡音色更加平滑，将音符的长度拉向中央平均水平。

最后，我们在上面用字母定义的每个即兴/部分都用期形成。期间包含前因和a 结果。其中的第二个是第一个的重复，其最终目标，和谐度或其他任何不破坏原始思想身份的变化。传统上，先行词以支配词结尾或过渡到支配词，其结果以补语结尾，回到稳定状态。对于病态天使的食尸鬼教堂，所有时期的前期，除了组成“ D”和“ E”部分的那些，都以不属于E小调音阶的音调结束，而结果全部以比例音。在刚刚提到的例外情况下，将其反转并对D＃进行补音，从而有效地构成了对其他按键的调制。

特雷·阿扎格索特（Trey Azagthoth）’s early infatuation with Mozart is often taken lightly even 通过 fans of Morbid Angel but 食尸鬼教堂 is a clear example of how this claimed influence 我们nt deep 和一个ffected the way motif, theme 和发展我们re handled. Trey did 不 just copy the 古典 style of Mozart, but adapted methods perfected 通过 the late master to the needs of the budding 死亡金属 genre Morbid Angel helped define.

分数：

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